Exposiciones del color

Llego al fin el dia en el que todos debíamos exponer nuestros trabajos grupales.

Nosotros eramos el grupo dos, y justo antes de nosotras iba el primer grupo, el grupo azul

 

 

 

Tras finalizar su presentación, tuvimos que exponer nosotros. Nos faltaron algunos participantes, pero en general, pudimos llevarlo a cabo lo mejor posible.

 

Tras nuestra presentación del color amarillo, tuvo que presentar el color gris.

 

 

 

Luego, el color violeta

 

 

 

Después el color rojo

 

 

 

Posteriormente el color verde

 

 

 

Y finalmente el color negro

 

 

 

En general las exposiciones estuvieron bastante bien. Nos aportaron muchos datos interesantes y curiosos, además de aclarar muchos significados que tienen estos colores, que posteriormente pueden sernos de gran ayuda.

 

Soy consciente de que ha habido mas exposiciones, de unos colores que no dio tiempo a exponer ese mismo dia (el blanco, el dorado, y no se si alguno mas), pero me perdi esa clase por unos asuntos personales.

 



Trabajo del color AMARILLO



 

Llevamos tiempo trabajando en un trabajo grupal que consiste en investigar sobre el color que se nos ha sido asignado.

El grupo en el que participo tenia que investigar sobre el color amarillo.

Sinceramente, no es de mis colores preferidos, pero, sinceramente, creo que no nos salio nada mal.

 

Yo voy a exponer aquí la parte que me fue asignada.

 

La primera parte consistía en que cada miembro del grupo tenia que elegir una foto cotidiana y una obra artística en la que predominara el amarillo.

 Yo, personalmente elegi como imagen cotidiana:

 

 

LOS SIMPSONS



 



 

 

La imagen seleccionada es de la serie estadounidense Los Simpsons, cuyo autor es Matt Groening.

Creo que hablo en nombre de todos al decir que Los Simpsons son como nuestra segunda familia. La mayoría de nosotros, puedo decir que desde la generación de los 90´s nos hemos pasado las tardes y las noches viendo Los Simpsons.

Pero realmente vengo a explicaros la razón por la que estos dibujos tienen la piel amarilla.

Una de las causas nos las explica una leyenda urbana; esta dice que Matt Groening al tener la idea de esta familia, la dibujo por primera vez  en papel amarillo, haciendo un rápido sketch de ellos. Al pasarlos a otro papel de diferente color, el resultado no le convenció tanto como esperaba, por eso los dejo amarillos.

Esta leyenda fue desmentida por el director de la serie, David Silverman, que lo negó rotundamente, explicando una nueva causa. Según él, fue cosa del encargado del color de la serie. Los tres hijos de la familia: Bart, Lista y Maggie no tienen una línea de cabello, es decir no se diferencia el comienzo de su cabello con el límite de su frente, por eso, quedaría muy antiestético si fueran de color carne. Por esa razón todos los personajes del mismo entorno tienen el tono amarillo. Pero si os fijáis, todos los personajes de otras etnias conservan su color de origen.

Además, pasado ya un tiempo después de la aclaración del director, el propio Matt Groening admitió que le gustaba que fuesen amarillos, sobre todo por el hecho de ser tan llamativo. Al pasar los canales, Los Simpsons siempre destacaran más, y serán siempre más fáciles de reconocer.

 

Después, como obra artística elegi la siguiente pieza:

 

 

 

La siguiente obra de arte seleccionada, es “El amanecer” o “El trigal con segador a la salida del sol” del gran artista postimpresionista; Vincent Van Gogh.

Van Gogh es uno de los grandes artistas conocido sobre todo por sus paisajes postimpresionistas. En casi todos sus cuadros no falta el tono amarillo, con el que representa la luz, ya sea artificial o natural, del sol. Cabe mencionar que en sus autorretratos también abundan los tonos amarillentos.

Pero centrándonos en este cuadro, el uso de tanto amarillo es la representación de la potencia de la luz del sol que baña aquel paisaje tan seco, salvándose de la luz tan intensa solo unos montes a la derecha del horizonte. Se ve el uso de diferentes graduaciones del tono amarillo, usando esta técnica para dotar de perspectiva y profundidad el paisaje de su cuadro.

 

 

Terminamos esta parte.

 

A continuación debíamos presentar cada uno una diapositiva..

La que elegi yo trataba sobre:

 

 

 

El dato más curioso e importante del color amarillo es que es el único color que cambia completamente su tonalidad al oscurecerse.

El amarillo estándar que conocemos todos es el amarillo limón, siendo este uno de los tres colores primarios. A partir de él saldrían los demás tonos de esta gama. Cuanto más blanco se añada, más claro queda, hasta un límite que da incluso más brillo al propio blanco, creando el aspecto de luz.

Después están las tonalidades que la siguen como:

Amarillo ocre, amarillo nápoles, amarillo indio, amarillo cromo, amarillo cadmio…etc.

Evidentemente, los tonos son infinitos, pero he nombrado los más conocidos y usados de la gama amarilla.

El amarillo limón y variedades más claras, al mezclarse con negro, acaba teniendo unos tonos verdosos o verde oliva bastante interesantes. Acercándose más a la mezcla con el primario cyan.
Mientras que otros amarillos, como el amarillo cromo, amarillo cadmio oscuro, amarillo indio.  Al oscurecerse, se vuelven más anaranjados y rojizos. Acercándose más a la mezcla con el primario magenta.

El amarillo, al ser un tono tan claro, cualquier ligero añadido de cualquier otro color, le saca de su gama y la introduce en otra, teniendo en cuenta la excepción del blanco y el magenta y los tonos tierra que crean en ella los tonos previamente nombrados.

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 



 

Documental

En esta clase no hay mucho que explicar, la verdad.

Dedicamos la clase a ver un documental sobre la forma de los objetos, el espacio y la relacion que tienen estos con la naturaleza.
Comenzo con las formas geometricas, desde las mas simples a las mas complejas, poniendo de ejemplo natural unas grietas que se hicieron en cierto terreno americano que ahora no recuerdo exactamente. Tambien uso de ejemplo las colmenas de las abejas. Ambos ejemplos compartian la misma figura geometrica, el hexagono.
Se debe a que esta figura geometrica es la que mejor aprovecha el espacio, deducida por la propia naturaleza.
Otra parte interesante de este documental fue cuando comenzo a demostrar de nuevo el aprovechamiento del espacio mediante las figuras con pompas. Para ello tuvieron la demostracion de uno de los grandes artistas de las pompas. Se veia perfectamente como al unir varias pompas, obviamente esfericas, iban cambiando su forma sin ser forzadas. Segun la cantidad de pompas que hubieran juntas creaban una figura geometrica diferente. Cuantas mas fueran, mas compleja seria la figura.
Fue mencionado también las proporciones aureas, y la simetria, todo procedente de la propia naturaleza desde tiempos ancestrales y su uso en el arte y la arquitectura moderna de hoy en dia.

En general me ha parecido bastante interesante, porque siempre esta la curiosidad de saber de donde y como aparecieron estas figuras o la medida aurea sobretodo, y tras este documental muchas cuestiones que tenia en mente se han respondido.

Exposicion; de la mano

El destino es todo un misterio, aun corriendo estos días. El de algunas personas resulta ser tan terrible como el hecho de quedarse discapacitados, desde una parte de su cuerpo o casi toda completamente.
Pero la limitación de su cuerpo no limita sus derechos. Concretamente en este caso, el derecho a la libertad de expresión artística.

¿Qué solución se le puede dar?

 

Pues la asociación APSURIA ha dado con la clave. Han dado una gran oportunidad a estos pacientes para poder expresarse. Ya que por sus discapacidades no puedes, les han propuesto otro medio alternativo, a partisr de artistas conocidos españoles.

 

 



 

 

 

Todas estas obras son conocidas por el hecho de que tuvieran dos autores. Ahora se entiende todo.

 

 



 



 

Estos artistas pidieron todo tipo de detalles y el como se imaginaban sus obras a los pacientes. Estos les proporcionaron todo lo necesario para que estos artistas pudieran sacar a la luz aquella obra que vivía en sus mentes.

 

 

 

 



 

 

 

Este acto, esta exposición ha conmovido a cientos de aficionados al arte, consiguiendo que esta sala de CentroCentro se llene por completo de sonrisas, empatía y alguna que otra lagrima de conmocion.

Pronto se pondrán en venta sus obras y el dinero recaudado ira directamente a la asociación APSURIA para sus necesidades.

 

 

 

 

 

 

 

 



Clase magistral con DaVinci

 



Cierto que ya no podemos ser alumnos del gran DaVinci, ya que nos separan de el varios siglos..
Pero eso no quita que no podamos aprender de su arte a través de toda la huella artística que nos ha dejado.
Para ello, nuestra profesora nos ha puesto un video sobre el estudio anatomico que DaVinci utilizaba en sus obras. Especificando; en El Hombre de Vitrubio.
El video duraba unos diez o quince minutos, y analizaba una a una todas las partes de esta obra, explicando todo el significado que tenia cada parte de este estudio anatómico, u obra de arte, mientras yo iba tomando apuntes rapidos..

 

 

En primer lugar, el hecho de que este situado perfectamente dentro de una circunferencia y un cuadrado tiene su explicación. La circunferencia se inclina mas a la divinindad del alma humana y a su aspecto espiritual y eterno. Mientras que el cuadrado representa los cuatro elementos (agua, tierra fuego y aire) y la el aspecto terrenal del hombre.

Luego pasamos a analizar al hombre. Comenzando por el rostro; esta dividido en 3 secciones equivalentes, desde la parte superior de la frente hasta los ojos, luego desde los ojos hasta el final de la nariz y por ultimo, desde el final de la nariz hasta la barbilla.

Después, la medida de todo el cuerpo son 10 caras. O también la extensión de los dos brazos de manera horizontal.

Los brazos están compuestos por los 5 dedos de la palma, cuya medida coincide con 4 dedos, luego 6 palmas, miden un codo y 4 codos es equivalente a un cuerpo; empezando desde abajo: de tobillo a rodillas, un codo. De rodillas a genitales, un codo. De genitales a pezones, un codo. De pezones a cuello, un codo. Respecto a las palmas, junto con los dedos, forman una mano completa, que es equivalente a la medida de la cara.  La medida de los pies es 1/7 de la altura del cuerpo.







 

Resultado

En la entrada anterior explique el ejercicio de las texturas. En este apartado voy a explicaros lo que hicimos una vez terminadas las composiciones.
Una cosa que quiza no mencione anteriormente es que teniamos hora y media para realizar estas composiciones, hubo quejas por "falta de tiempo" y la profesora cedio a dar mas tiempo.
Este permiso dio un suceso de dias  mas para terminar o volver a hacer nuevos dibujos mas elaborados para entregar.
A la vuelta, a esta clase, vimos el resultado de los nuevos dibujos mucho mas elaborados.
 Supongo que la gracia del ejercicio era hacer en cierto tiempo, arriesgando y probando nuevas formas de dibujar, una composicion.
Procediendo a la manera de claificacion; fue en grupo. Es decir, la profesora dio rienda suelta a que los propios compañeros dieran su calificacion sobre cada uno de los trabajos de sus mismos compañeros. Tardamos gran parte de la clase en calificar uno a uno todos las composiciones.
Las colocamos todas en una mesa y procedimos a calificarlo

 

 

          Algunos de ellos quedaron entre los aprobados. Otros en notables (entre ellos el mio), cada vez iban quedando menos

 

 

 Y finalmente, los diez, elegidos como los mejores, que irían a una exposicion organizada por la profesora.

Creaciones a partir de texturas

A partir de la clase anterior sobre las texturas (ver entrada anterior si no se ha visto) seguimos experimentando con las texturas de manera un poco mas ordenada.

El ejercicio de hoy consistía en dibujar en un papel din A3 con grafito animales mediante texturas de distintos objetos, simulando asi la textura de la piel del animal elegido para su realización. Se podían traer objetos de casa o usar simplemente lo que nos rodeaba en clase. Debiamos hacer dos tandas de animales mediante texturas, en un folio, dos animales en las que uno de ellos tuviera una textura realista y el otro una textura irreal. El siguiente folio era la representación de un solo animal, ya definitivo, con textura realista. Este ultimo dibujo seria evaluado. Duración del ejercicio; hora y media.

Yo comencé a pensar en las texturas que tenia para elegir (no me había traido nada de casa). Estaba la pared, y las sillas, buena combinación para crear un león. La pared haría la textura de la piel, y el granulado de la silla me ayudaría a hacer la melena y los bigotes.

Y eso hice..

 

 

 

Mientras lo dibujaba, note que me estaba quedando bastante grande, asi que decidi elegirlo como el definitivo.

 

Entonces me quedaba la composición de los dos animales con diferentes texturas.

En lo primero que pensé fue en hacer un pez con la textura de mi jersey, sacando luces para dar efecto de escamas. Para el animal con textura irreal decidi volver a usar la textura de la silla para la piel de un elefante, quedando como resultado..

 

 

 

No dio tiempo a evaluarlos en esa misma clase, asi que en la siguente entrada publicare las notas de mi trabajo.  



 



Texturas

 

¿Que seria de un cuerpo sin textura?

 

Pues no lo se, porque todo, absolutamente todo lo que nos rodea posee una textura propia.

La textura es el tacto que produce la superficie de cualquier objeto.

Dentro del arte, la textura se utiliza para dar realismo, o, tambien para jugar con las sensaciones del espectador. Digo esto, porque hay diferentes tipos de texturas; ademas de las naturales (o realistas) a las que estamos acostumbrados a percibir, relacionandolos inmediatamente con el objeto al que corresponden, existe tambien la textura artificial; aquella creada por la mano del hombre.

Dentro de la libertad artistica se puede jugar mucho con las texturas, como mencione antes, se puede jugar o crear confusiones al espectador, impresionandolo con esta tecnica.

Nuestra mente relaciona automaticamente las texturas con los objetos aun con simplemente pensar en ello. Por eso es sencillo el modo de crear confusion, solo hace falta cambiar las texturas de lo representado.

 

En esta clase hemos tenido una demostracion de como podemos realizar las texturas de una manera mas facil y rapida



 

 

Con pelo humano por ejemplo..

 

 

Tras la demostracion, comenzo el ejercicio paractico. Consistia en plasmar en papel diez texturas diferentes que nos rodearan en clase, como podia ser; la textura de la mesa, la silla, las paredes, la pizarra, el suelo, la mochila, la ropa...

 

 

Una vez acabadas todas las texturas, Maria Jesus nos pidio que las colocaramos todas en medio de la clase, en el suelo mismo, unas junto a otras, creando una gran manta de diversas texturas..

 

 

 

Que quiza pudiera considerarse una obra de arte representando la clase de analisis, ¿no?









 

La Forma

 

 



El tema que explicamos en esta clase fue mucho mas sencillo. La forma es un concepto mucho menos complejo comparado, por ejemplo, con la composicion.

La forma se limita a ser el contorno de los cuerpos de las figuras que aparecen en una composicion dentro de una obra artistica.

Podria destacarse que la forma y el fondo son dos elementos completamente opuestos en una obra.

hay una variedad de tipos de formas, desde las ancestrales; como las formas geométricas (desde las básicas hasta las complejas)... Hasta llegar al estudio de la anatomia, donde comenzo a expandirse la variedad de las formas adaptandose al complejo movimiento que supone cada parte del cuerpo.

 

No hemos profundizado mucho mas, eso es, en resumen, la idea básica que se debe tener sobre la forma.

 

Comenzamos con la parte practica.

El ejercicio expuesto hoy fue sobre la dificultad de dibujar cualquier tipo de imagen teniendo de guia solo una descripcion de la forma de esta.

Nos pidió que todos saliéramos de clase, y dentre, se quedaron con ella tres compañeros, los cuales nos iban a describir lo que habian visto.

Una vez volvimos a entrar comenzaron con la descripcion:

 

... un ser con la cabeza muy grande y el cuerpo pequeño...

 

...no es realista...

 

...a contraluz por completo...

 

...bajo una especie de puerta curva...

 

...encima tenia una bombilla...

 

...al lado unas tuberias...

...

 

Finalmente mi imaginacion acabo creando un pequeño muchacho bajo una puerta con una bombilla.

Una vez terminados todos los dibujos de la clase, se mostro el original:



 

¿Tampoco salio tan mal no?

 



 

 

 

La Composicion

 

 

Es un tema fundamental dentro del arte.

Sin una buena composicion, quiza la obra no transmita lo que el autor quiere que sea transmitido, quiza ni siquiera sea completamente comprensible o incluso puede llevar a pensar que ha habido un error en el estudio de la obra si esta es de tipo contemporaneo.

 

 

 

La composicion, como definición, podria decirse que es la colocacion de los objetos o elemntos dentro de un espacio o superficie que van a aparecer en una obra artistica. Su complejidad esta en crear una armonia entre todos los objetos presentes en la obra, (o en el caso de que sea un solo objeto igual), que estos/este no cree en el espectador una sensación de caída o desequilibrio.

 

Hay muchos tipos de composiciones, apreciados en la pintura y la escultura desde la misma Grecia antigua. A continuación mencionare una lista de las composiciones mas comunes y ulitizadas:

 

-Direcciones dominantes; donde se percibe claramente un ascendimiento o descendimiento, o movimiento hacia la izquiera o derecha.

-Simetria; Donde la imagen se percibe claramenta la linea de horizonte y desde ella se fracciona la imagen haciendo que una seccion sea completamente similar al la otra. cuando la similitud es de manera verical, da sensación de ascendimiento. Cuando es en horizontal, da sensacion de reposo.

-Asimetría; Cuando una imagen no cumple ninuna simetría que nos parezca adecuada. Una de sus características es el desequilibrio.

-Triangular; o en forma de piramide. Muy utilizada en el arte clasico. Donde en la composicion se percibe mediante la union de ciertos elementos un triangulo.

-Repetición; Se caracteriza por la consecución de una misma imagen para crear en conjunto una obra.

-Vertical; Sensacion de ascendimiento, ligereza.

-Horizontal; Sensacion  de reposo, muerte, inerte.

-Curva o espirales; dentro de ellos, cabe mencionar el movimiento centrigufo (espiral hacia fuera) y centripeto (espiral hacia dentro).

-Horizonte; según la colocación de la linea del horizonte en la composicion puede hacernos verlo todo de diferente manera. Cuando mas suba, mas pequeños nos hace parecer frente a la obra. Cuanto mas baje, mas grandes nos hace sentir.

-Enfoque; Guiando la vista para que se fije en cierta parte u objeto de una composicion.

 

~

 



Finalizando con la parte teorica, no pueden faltar en este apartado las Leyes de Gestalt.

Las leyes de Gestalt, procedentes de Alemania, son un estudio psicológico dedicado al estudio de las percepciones a partir de estimulos y a la perfeccion. Existen 13 leyes, pero ahora nos interesan 5.

 

-Figura sobre fondo; Estudio que afirma que al observar una obra o imagen, o se fija en la figura (o figuras) o en el fondo. Es imposible fijarse en las dos cosas al mismo tiempo.

-Buena forma; Agrupar los elementos de una composicion para simplificar su percepcion.

-Cierre o continuidad; Se trata de formas inacabadas, que en conjunto, consiguen que la mente perciba una imagen. Hace interpretar las cosas de una manera propia.

-Contraste; Elementos que se interpretan de manera diferente, por un gran contraste entre la figura y el fondo.

-Proximidad; Elementos proximos que se agrupan por alguna característica que poseen en comun.

 

Una vez terminada la parte teorica, comenzamos con la practica.

El ejercicio expuesto para esta seccion del temario era que en grupos realizaramos fotografias, creando una composicion que cumpliera con los tipos de composicion mencionados anteriormente:

 

 

 

 

Ley de Gestalt; Cierre o continuidad

 

 

Movimiento hacia adelante y Ley de Gestalt; Contraste

 

Descendimiento en diagonal

 

Ley de Gestalt; Proximidad

 

Ascendimiento en diagonal

 

En espiral

 

Triangular

 

 

 

 



 

 

Visita al Lazaro Galdiano

Hace relativamente pocos dias fui de paseo por Madrid, en busca de arte. Me facia falta cierta inspiracion. Hacia tiempo que no salía de casa, no salía del estres del dia a dia que supone la universidad, la responsabilidad de todos los trabajos en proceso y por hacer.. Un cumulo de energia negativa, al fin y al cabo.

Sin un rumbo previamente planeado, decidi recorrer calles de Madrid al azar. Eso somos, hojas movidas por el viento (y nunca mejor dicho, pues el viento que soplaba te arrancaba del suelo).




Esto me llevo a pasear por la calle Serrano. Conocida como una parte "alta" de Madrid, prestigiosa, elegante.. Cara.

Realmente no me importaba en absoluto eso.
Una de los detalles que mas me llama la atencion de esa gran calle, es el escaparatismo usado por las tiendas que establecen ahí. Marcas que no cualquiera podria permitirse.. Pero mirar y dibujar lo visto es gratis. Muy innovador e inspirador.
Siguiendo el camino marcado por creativos escaparates llegue accidentalmente al gran palacio que es el museo Lazaro Galdiano.

 

 



Una vez dentro del recinto, vi que al rededor que propio magifico edificio había un pequeño jardin de ensueño, donde daban ganas de sentarte y pasar la tarde leyendo un libro.
Entre en el edificio y pedi un mapa con el que guiarme; Empece por la segunda planta, el arte europeo (especificando: gotico flamenco).
Vi cuadros impresionantes, donde se veia claramente el comienzo del uso de la pintura olea. Detalles totalmente perceptibles, comienzo de la perfeccion en sacar brillos y dar realismo. Tematicas religiosas, virgenes, tripticos o santos. Tambien abundaban bodegones y retratos de nobles o monarcas. pero.. dentro de tanto arte, hubo algo que me llamo realmente la atencion..

El techo.



Fue una de las pinturas mas hermosas que habia visto. Una vez mire para arriba, no pude bajar la vista..

 

 

La delicadeza de los rostros, la expresión y el movimiento de los caballos, los tonos de color tan suaves que han sido usados.. En conjunto, fue realmente hermoso ver ese techo pintado.

 

Finalmente, visto lo mas interesante, fui a la planta mas alta.

Era como un pequeño almacen donde guardaban todas las herramientas, orfebreria, joyeria y armamento por materiales como: marfil, hierro, cobre y oro. Ademas de un amplio expositor de tejidos. Donde lo mas curioso que encontre fue una parte de un baston. ¿Podria ser que el bigote hipster descienda de el?

 

 







¿Que es la imagen?

Una imagen es una representacion de cierto objeto, paisaje, naturaleza o persona. Las imagenes son conocidas universalmente de manera visual (una foto, un dibujo, una pintura..) pero en realidad, no se limitan solo a eso. Las imagenes pueden representarse mediante otros medios, pueden ser auditivos, olfativos, tactiles..etc.

Ademas, no todas las imágenes tienen por que percibirse, en muchas ocasiones nuestra propia mente crea imagenes igual de reales que como si lo tuvieramos delante. Estas son denominadas; imagenes mentales.

La principal y unica herramienta que tuvieron los primeros seres humanos para comunicarse fue la imagen. Creando simbolos que fueron evolucionando junto a la historia y acabaron por ser simbologias universales, que se especifica de manera diferente en cada territorio o cultura, por eso es importante saber el destino que tiene la imagen que estamos creando, para que el espectador no se confunda al intentar entenderlo.

Una vez aclarado un poco lo que es la imagen, pasamos a poner en practica la teoria con un ejercicio.
El objetivo era elegir una accion y representarlo con una imagen en una piedra.
Ya que íbamos a representar sobre piedra, yo decidi elegir un tema bastante antiguo; la caza.

 

 

Una vez todos terminaron su mensaje a partir de una imagen, teniamos que pasar por el sitio de los compañeros, adivinando lo que habian representado ellos

Por ejemplo, en este caso, deduci que la imagen que habia representado mi compañera era: el estudio.

 

 

 

Para ser una introduccion a un tema tan complejo como lo que es la imagen ha estado bastante bien, y el ejercicio bastante divertido. Nos hizo percatarlos de la importancia y dificultad que tiene representar bien una imagen para que cualquier espectador pueda comprenderlo de manera correcta. 



Harper´s Bazaar; nueva revista de arte

Anteriormente mencione las bases del ejercicio que debíamos llevar a cabo con la revista Harpers Bazaar.  Y ahora puedo decir que lo tengo casi terminado.
Por muy simple que pueda parecer calcar unos colores es mucho mas complicado de lo que uno pueda imaginar. Pero para eso tuvimos una clase de mezclas del color, apartado que puede ayudar mucho en este ejercicio.

[Antes de nada, menciono que no me dio tiempo a poder rematarlo por completo, aun no esta finalizado del todo, pero tuve que entregarlo por falta de tiempo, pues no calcule bien la fecha limite.]

Como la mision del trabajo era conseguir los colores exactos, yo me dedique a pintar solo el fondo de estas paginas. Las figuras eran opcionales, pero no me parecio muy estetico pintarlas.

Al principio solo tuvimos una pagina que calcar de nuevo. Estaba inundada de colores rojos y anaranjados, una pagina bastante bonita y alegre, y en la que mas tiempo pude dedicar, un factor que se aprecia en el resultado.

 

 

Mas adelante, tuvimos una clase perdida, pero como deberes nos asigno tres paginas mas. Una azul, una tierra y otra amarilla.

Comencemos por el azul, mismamente.

Observe que la mayor parte de concentración de azul la tenia el cielo, y me centre en ello. Use una técnica aguada, que se utiliza mas para acuarela, pero en este caso quedo un buen resultado, pues al tener cierto brillo el papel el agua resbalaba y se acumulaba en gotas que acababan formando pequeños charcos, dando la sensación de nubes esparcidas por el cielo.



 

 

Para los tonos tierra teníamos asignado un rostro. La pagina mas difícil de todas, pues crear el tono de piel concreto es bastante complicado. pero el verdadero problema que tuve con esta parte fue el tamaño del dibujo, el aguante del papel y la cantidad de agua que use. Al parecer, ague demasiado la pintura y eso estropeo mi soporte, como podeis ver la mitad de la cara se ha quedado completamente arrugada. Al verlo tan estropeado, no matice el color mucho mas, pues no sabia si podría solucionarlo o dejarlo peor...

 

 

 

 

Por ultimo, me quedaba la pagina de amarillos. Por variar un poco, decidi intentar reproducir un poco también la textura de la paja donde posan los caballos. Tampoco tuve mucho tiempo para acabar esta parte, la cual ha quedado un poco pobre. pero intentare terminarla mas adelante, sin duda.

 

 

este es el resultado de este ejercicio, aunque no fuera el mas creativo, es un buen entrenamiento para la vista y para el manejo de los colores.

Lo recomiendo.